Jorge Guillén desde su atalaya poética de Constitución

"Villa por villa en el mundo

cuando los años felices

brotaban de mis raíces,

tú, Valladolid profundo".

Puede parecer un simple poema escrito en los infolios que el poeta Jorge Guillén sostiene sobre sobre las rodillas de bronce, pero tiene su enjundia. Vincular la infancia con la felicidad, siempre relativa pero más alcanzable si cabe en las edades tempranas, no es una mera licencia poética sino una honda reflexión. Tal vez la profundidad de Valladolid que menciona sea la propia del hombre. Esa hondura que se va dando en los primeros años de la vida, que nos parecen rodeados de sencillez y carencia de responsabilidad. Pero ¿hay algo que marque más para siempre que lo vivido en esos años? El poeta Guillén, que lo sabría sobradamente, lo asocia a su propia ciudad natal, donde vivió un tiempo. Entonces, una ciudad ¿es profunda por el mero hecho de existir y tener un nombre o por cuanto recibe de sus pobladores? 

Esa estrofa forma parte de las agrupaciones de versos que bajo el título de Tréboles se pueden hallar frecuentemente en el poemario Clamor de Jorge Guillén. Es la excusa para justificar el bajorrelieve que labró el escultor Luis Santiago Pardo para ser colocado en la fachada del número 8 de la calle Constitución donde vivió Guillén. Con esta lápida de 1993 se conmemoraba el centenario de su nacimiento. El escritor, en actitud austera pero expresiva, parece recitar sus versos. El escultor se aplicó en su visión figurativa, y nada mejor que añadir aquí lo que escribe José Luis Cano de Gardoqui García en su obra Escultura pública en la ciudad de Valladolid:

"El bajorrelieve muestra de forma fehaciente las constantes formales desplegadas por Santiago al servicio de una producción predominantemente figurativa, que ha ido evolucionando hacia un expresionismo no exento de cierto contenido simbólico. El rigor escultórico, la armonía de proporciones, el naturalismo que emana de la actitud y de los rasgos fieles del personaje retratado son características formales tamizadas por el escultor mediante una textura rugosa, dinámica, que acentúa el carácter expresivo de la obra, revelando al mismo tiempo el ritmo del propio proceso creativo del artista".

Tal vez mucha gente no se detenga ante este u otros relieves que hay en edificios de la ciudad donde nacieron o vivieron personajes significativos de la cultura. El recordatorio del personaje en el edificio debería servir para motivar conocimiento sobre la aportación del poeta. Su obra poética sigue siendo de las más originales y perfectas que se hayan escrito en nuestra lengua. La casa de Constitución, como todo el mundo sabe, se haya ubicada en el corazón histórico de la urbe, tan próxima a la Plaza Mayor y en una zona comercial que rebosa día a día de tránsito de viandantes. No sé si su poema Plaza Mayor, del poemario Cántico, se refiere a nuestra plaza, pero con las connotaciones que hay en el poema me apetece traerlo aquí: 

PLAZA MAYOR

Calles me conducen, calles. 

¿A dónde me llevarán? 

 A otras esquinas suceden 

Otras como si el azar

Fuese un alarife sabio 

Que edificara el compás 

De un caos infuso dentro 

De esta plena realidad. 

Calles, atrios, costanillas 

Por donde los siglos van 

Entre hierros y cristales, 

Entre más piedra y más cal. 

Decid, muros de altivez, 

Tapias de serenidad, 

Grises de viento y granito, 

Ocres de sol y de pan: 

¿Adónde aún, hacia dónde

Con los siglos tanto andar? 

De pronto, cuatro son uno. 

Victoria: bella unidad.

Un neurocientífico en el Museo del Prado. Presentación del libro de Fernando Giráldez en la Fundación Segundo y Santiago Montes

 

A nadie se le oculta que otra manera de pasear, ni opuesta ni sustitutiva de la caminante, es acercarse a los libros y recorrer los territorios que ofrezcan. O bien asistir a charlas ilustrativas que permite complementar las otras maneras de querer saber algo más y sobre todo disfrutar del conocimiento. En este sentido la Fundación Segundo y Santiago Montes me pasa información sobre la presentación de un libro el próximo viernes 19 en su sede a las 20 horas. El título es Un neurocientífico en el Museo del Prado y lo ha escrito Fernando Giráldez, que en su día se doctoró en Medicina en la Universidad de Valladolid, donde también ejerció la docencia, y posteriormente en la Universidad Pompeu Fabra.

Acompañando al autor estarán Santiago Mar Sardaña, físico e investigador en óptica, y el escritor Gustavo Martín Garzo. De Gustavo es precisamente este texto:

"Por algún u otro motivo, todos nos hemos quedado embelesados delante de una obra de arte. Pero ¿qué es lo que provoca tal atracción? ¿Dónde está el secreto que cautiva nuestros sentidos? Fernando Giráldez, neurocientífico, nos guía a través de las grandes obras del Museo del Prado y nos revela cómo los maestros de la pintura han explorado el cerebro para llegar al fondo de la mente humana. Giráldez nos sumerge en la magia con la que estos artistas descubrieron la manera de lograr dos imposibles: representar el espacio y la vitalidad sobre un lienzo que es plano y estático. La visión es algo tan natural a nosotros que nos hace creer que el mundo es tal cual lo vemos, pero realmente está llena de mecanismos profundamente contraintuitivos" 

Ante la curiosidad que al paseante le ha suscitado el tema ha estado indagando por internet y encuentra una charla coloquio francamente apetecible para quien esté interesado en el tema. No me resisto a incorporar aquí el vídeo para quienes no puedan asistir a la presentación de Giráldez, que dado lo que se escucha en él resulta apetitoso para todo amante del arte o diletante en general.

Supervivientes de aquellos cines de otro tiempo: Carrión, Roxy, Lafuente, un viaje al pasado

 

Ninguno de ellos es ya cine, pero esa especie de sacralidad laica que exhiben bulle para mantener el testigo, al menos de una arquitectura de otro tiempo. Para los que hemos conocido épocas cinematográficas a tope pasar por delante de los edificios que albergaron el cine Carrión, el cine Roxy o el cine Lafuente es rememorar. Siquiera por un instante. Algunos incluso avanzamos un juego. Aquí vimos cuando éramos pequeños con nuestros padres Guantes grises, por ejemplo. En este otro Los diez mandamientos. En el de más allá, que era de sesión continua, no de estreno como los otros, y más de barrio y por lo tanto más barata su entrada, tal vez Rififí o Atraco perfecto. Entrañables sesiones continuas a las que entrabas a cualquier hora de la tarde, ya empezada la película, y podías continuar sin límite toda la tarde con la compañía ruidosa de las pipas de girasol.

Con nuestro recuerdo de paseantes homenajeamos al espíritu del local que fue, a lo que vimos y vivimos en sus patios de butacas o en sus gallineros, a las ilusiones de un domingo por la tarde en que la gente se evadía de sus problemas cotidianos. Cuando el cine propiciaba cierto diálogo. ¿No se hablaba al día siguiente de la película en los puestos de trabajo o en los recreos de colegio o en el autobús? ¿No se seguían los filmes más taquilleros o deslumbrantes en las colecciones de cromos? Ah, aquella memoria extraordinaria de infancia en que uno podía contar en casa la película de pé a pá con su argumento secuencial, incluidos diálogos y finales felices o dramáticos. 

Aunque aquí sitúo las primeras imágenes en orden de antigüedad inverso, es el de menos empaque -que no de menos intención de tenerlo- el más antiguo. Cinema Lafuente, en calle Mantería, barrio de San Andrés. Cerrado desde hace años. De llamarse Lafuente pasó a llamarse Cines Mantería los últimos años de actividad, porque se habilitó alguna sala más, y supongo que lo gestionarían los cines Renoir de Madrid que lo retitularon así.  

Tuvo sus antecedentes en 1931 cuando se erigió en la calle Panaderos el entrañable Cinema Capitol, de cuyo arquitecto, Ramón Pérez Lozana, dicen que le dio un tono expresionista. Pero de aquel cine solo queda el recuerdo de los vallisoletanos más ancestros y alguna fotografía. Dos hermanos promotores de negocios, José y Emilio de la Fuente, adquirieron un solar en 1932 en la calle Mantería, primero con intenciones de poner una fábrica de zapatos. Pero como vieron que el cine tenía tirón redirigieron la inversión. Resultado: en 1933 se inaugura la sala del Lafuente en una esquina entre Mantería y la actual Agapito y Revilla. Parece ser que estaba de moda entonces situar cines en otras ciudades en esquina para destacarlos. Aquí Pérez Lozana lo orientó por el lado racionalista, estilo del que hay más edificaciones en Valladolid

Copio y pego un texto de Daniel Villalobos Alonso en su documentado trabajo Arquitectura de cines en Valladolid:

"Una segunda consideración sobre el Cine Lafuente por el que no podemos considerarle un cine de barrio, como tampoco en el caso del Cinema Capitol, sino una modesta sala de proyecciones cerca del centro. El lugar estaba dentro de los límites de la ciudad histórica, propicio para el éxito de la empresa, a escasos metros de la localización del primer Corral de Comedias de Valladolid, en plaza de la Cruz Verde, donde a mediados del siglo XVI representaba sus autos el famoso Lope de Rueda, y primer teatro de Valladolid en 1575. La localización estable más antigua de espectáculos en la ciudad renacentista".

El éxito del Cine Lafuente llevó a los mismos hermanos emprendedores a aventurarse con una nueva sala. Se lo encargaron al citado Pérez Lozana y fue inaugurado en 1936. Primero le pusieron un extraño nombre, Cine Tenaful, pero no tardaron en cambiarlo por Cinema Roxy. Supongo que la referencia del nombre vendría porque ya existía desde una década antes en Nueva York el Roxy Theatre y era un nombre muy apetecible, con esos aires transoceánicos, para dar empuje de modernidad al vallisoletano. Y modernidad tenía también  el estilo racionalista que el arquitecto plasmó. Pero mejor transmito lo que Nieves Fernández Villalobos escribe en el Registro DOCOMOMO Ibérico 1925-1975:

"Frente a un interior con tintes Art Decó, los diferentes elementos de fachada tratan de dar un carácter uniforme a la composición, así como un aspecto levemente mecanicista que evoca al mundo del cine. La fachada proyectada tenía solo dos plantas y reflejaba en su organización tripartita la distribución interior. La planta baja, a modo de basamento, se separaba del primer nivel por una marquesina, la cual se mantiene en la fachada del edificio construido. También se respetaba en éste la disposición simétrica y tripartita, si bien se ele vaba en una altura el cuerpo central y se coronaba toda la fachada con un friso de varias impostas que seguían a la superficie en sus distintos pliegues. Con la mirada puesta en arquitectos como Poelzig, Mendelsohn, Mallet Stevens o Le Corbusier, este edificio se apropiaba magistralmente de algunas referencias habituales en el movimiento moderno, como la máquina y la metáfora marítima, para convertirse en uno de los ejemplos paradigmáticos de la arquitectura vallisoletana de los años treinta".

Y tanto que es un edificio que incluso hoy, cuando ya tiene otro uso, sigue llamando la atención en la Calle María de Molina. Ciertamente que aquella acera fue paradigmática durante décadas. Justo al lado tenía el acogedor y moderno café Molinero -pesaroso destino el suyo hoy día, rendido a ser un local de bocatas de una firma de origen madrileño- y a pocos metros el Teatro Lope de Vega, también cine, hoy en rehabilitación. El Roxy, rehabilitado como cine en dos ocasiones, acabó su vida para en 2014 entregarse a un nuevo uso, el de  casino de juego. Cuando paso por delante me coloco en la acera de enfrente y lo contemplo en perspectiva, disfrutando de esa fachada con aires de buque, sus ventanas en ojo de buey, su entrada de marquesina como en el origen, el remate alto de bandas horizontales y los ventanales de vidrieras a los que supongo más visuales desde un interior que hoy no conozco cómo habrá quedado.

Otro ejemplar de exhibición cinematográfica importante fue el Cine Carrión, que cumplió el papel de teatro cuando las temporadas festivas lo exigían. Tan céntrico o más que el Roxy, ya que se ubicó en unos terrenos de los promotores hermanos Carrión, entre Montero Calvo y Alcalleres, al lado prácticamente de la calle Santiago, el eje comercial paradigmático de otros tiempos. Por cierto, qué resonancias árabes contiene el nombre de Alcalleres a donde da el lateral del cine, pues alcalleres era cómo se designaba por otro nombre a los alfareros y olleros y eso nos remite a que por esa zona estuvo ubicada la aljama, el barrio de la comunidad musulmana, allá por el siglo XV. Por cierto, hace escasos años se levantó un nuevo edificio muy cerca, en Claudio Moyano, en cuyos cimientos se hallaron los restos de una mezquita.  

Quien proyectó el edificio también fue el arquitecto Ramón Pérez Lozana, levantado entre 1940 y 1943, y tuvo un toque racionalista sobre plano, a pesar de ser años en que dominaba la estética imperial y triunfalista, quieriendo el arquitecto mantenerse fiel a sus criterios modernos. No obstante el cine/teatro tuvo otra orientación, como bien dice Daniel Villalobos Alonso en su libro sobre arquitectura de cines en Valladolid:

"Las imágenes de esa sala recién inaugurada y la descripción que se hace de su decoración en El Norte de Castilla, señala el resultado estético en absoluto coincidente con lo dibujado en el proyecto. La intervención marcará un retroceso hacia un lenguaje dependiente de un academicismo con resonancias ornamentales de la arquitectura renacentista. Más cercano a los ideales de estética ecléctica. En el resultado final aparecen ciertas referencia a arquitecturas historicistas de la ciudad como la solución de esquina en chapitel introduciendo esgrafiados polícromos en la esquina y en muro de la calle Alcalleres, órdenes clásicos no académicos en la portada, se trasforman los soportes cilíndricos en órdenes dóricos sin éntasis, ornamentaciones con numerosas citas estilísticamente anacrónicas, conjuntamente con elementos de ascendencia racionalista original, como su basamento en bandas ho rizontales, el remate escalonado de la cornisa y paños de ladrillo cara vista. El cambio de intenciones introduciendo estos elementos ornamentales quebró el lenguaje original racionalista, ofreciendo una obra mucho más amable a los gustos populares, aunque estéticamente confusa".

El paseante mantiene más recuerdos de esta sala que de otras. Le parecería más lujosa con aquel escenario y su arco carpanel, los sistemas de iluminación diseñados en la vertical de las paredes como si fueran fuentes emitiendo luz o la amplitud rematada por el piso superior. O acaso su memoria está inmersa en que fue en el Carrión a donde le llevaron sus padres a ver las primeras películas, de las cuales recuerda dos especialmente: Guantes grises y La guerra de los mundos. ¿Cuántos filmes más abdujeron al niño y al joven en el Carrión, el Roxy y el Lafuente a lo largo de su vida, y en todos los demás cines que dieron aliciente y sueños a los vallisoletanos durante décadas? 

Hoy el Carrión se mantiene como espacio de teatro y espectáculos musicales, gracias a lo cual sobrevive afortunadamente el monumento.

 

Aquel muchacho regio de Gante y su heredado prognatismo mandibular, en el Museo de Escultura

 

Siempre me ha llamado la atención este busto. O el personaje que representa, mejor dicho. No invita al diálogo precisamente. La actitud, un tanto ausente. El rostro, nada simpático. La alegría ausente, no obstante representar a un joven culto. La fisionomía, difícil, no contribuye a empatizar. No sé si el personaje en vida sería así, o fue cosa del escultor flamenco, por cierto desconocido, que la labró hacia 1520. Los visitantes pasan ante ella, sin mayores concesiones, como mucho leen el letrero correspondiente y avanzan por la sala que les va a abrir grandes tesoros. Se diría que la obra casi está ahí por error. Que acompaña por inercia a las demás obras renacentistas, siendo ella también una escultura de aquellos comienzos del siglo XVI. Que mantiene su distancia como si el expresado siguiera en su estado de juventud en Gante o en Bruselas. Pero quién sabe. ¿No podría ser, desde su discreta posición, el guardián del arte de las salas del museo? Y sin embargo, yo me paro ante esta herma, contemplo con detalle la imagen, inquiero con respeto al individuo regio que hay detrás de su faz. 

Dicen que comía solo. Que no quería ser objeto de espectáculo verse contemplado en tal tarea -él, que a lo largo de su vida comió tanto y bebió sus considerables dosis cerveceras- para no sentirse incómodo. Al fin y al cabo, su alta posición social omnímoda sobre todos los hombres de sus reinos le permitía decidir sin complejos hasta en los más nimios detalles. A la edad que representa la figura solo hablaría bien el francés y escasamente el castellano. Y eso a pesar de ser hijo de madre castellana y heredero de la corona peninsular. Tampoco se le debía dar bien el flamenco, aun habiendo nacido en Gante, ni el alemán, no obstante converger también en su testa la amplia herencia del Sacro Imperio Romano Germánico. 

Así que el magno hombre está representado en este retrato de caliza cuando iba recibiendo todo sin haber aportado todavía nada. Desde su impecable vestimenta -camisa, jubón, manto real, sombrero aplumado- se permite lucir ya la gran insignia que aquel Duque de Borgoña creara casi un siglo antes, el Toisón de Oro. Probablemente en la fecha supuesta del retrato ya fuese el personaje no solo rey Carlos I de España sino a su vez emperador Carlos V del Sacro Imperio Romano Germánico.

Si se compara esta imagen con otras muy posteriores se diría que no tiene nada que ver...salvo sus características faciales. En esta realeza más sencilla, con sus justos atributos, resalta el defecto congénito que había heredado. La especial característica denominada prognatismo, consistente en que las mandíbulas se encuentran en distino plano. La mandíbula inferior se expande hacia el exterior haciendo que los dientes de ambas mandíbulas no coincidan, y el labio inferior es más grueso y el superior más reducido, lo cual genera no solo una diferencia estética sino problemas importantes para la masticación y la deglución. Naturalmente, en tantos cuadros del Carlos V maduro, guerrero y a caballo, por ejemplo, los pintores reducen esa proyección mandibular, disimulada con la barba.

Las herencias regias podían aportar riquezas y dominios, pero también características defectuosas, principalmente por esa especie de endogamia real que obligaba a establecer matrimonios consanguíneos para garantizar la supervivencia de los Estados, las dinastías y sus intereses. Se suele calificar al prognatismo del emperador Carlos como el prognatismo Habsburgo, pues ya se daba en antecesores imperiales. Pero otros historiadores también citan que dentro de la tradición real castellana ya se habían producido casos. 

Pero para más detalle recurro a un interesante artículo del neurólogo de la Universidad de Salamanca José Ramón Alonso:

"Los Habsburgo son uno de los escasos ejemplos de una herencia mendeliana de características faciales. El retrato del emperador muestra lo que se conoce como la “mandíbula Habsburgo” característica mandíbula prognata (extendida hacia fuera) y un labio inferior grueso y prominente, el “labio Habsburgo”. Otras características faciales típicas de la familia eran una nariz grande y con una prominencia en el centro y una tendencia a un aplanamiento de las áreas malares (la mandíbula superior) 

Eso mismo podemos observar en la maravillosa galería real que custodia el Museo del Prado, donde los retratos de varios reyes Austria en particular Carlos I, Felipe IV y Carlos II nos muestran su peculiar mandíbula saliente. Aunque se transmitía como un rasgo autosómico dominante, los hombres estaban mucho más afectados que las mujeres. Todo ello se observa con claridad en los retratos y esculturas conservados en pinacotecas y museos. El caso más extremo parece ser el de Carlos II, el Hechizado. El prognatismo puede ser una característica fisonómica de nacimiento como en el caso de los Habsburgo o estar causado por un problema hormonal como el gigantismo o la acromegalia o ser debido a un trastorno genético como el síndrome de Crouzon o el síndrome de Gotz-Gorlin. El prognatismo es una extensión o protrusión de la mandíbula inferior que hace que los dientes superiores e inferiores no coincidan adecuadamente.

De esta forma, se genera un desfase entre la superficie de masticación de unos dientes y otros lo que puede generar problemas para hablar, masticar o morder. Se cuenta que en su primer viaje a España, uno de sus súbditos le dijo a Carlos 'Cierre Su Majestad la boca, que las moscas de este país son muy insolentes'. De él se dice que era incapaz de masticar su comida adecuadamente, que sufría de indigestión por tragar los alimentos casi enteros y que normalmente comía solo por la vergüenza que pasaba si se le caía comida de la boca".

Contemplar este retrato de juventud de Carlos y compararlo con los padecmientos físicos que tuvo a lo largo de su vida -no hay que olvidar que falleció con 58 años- da para reflexionar sobre la lucha por mantener el poder, las hegemonías y las riquezas. Probablemente el problema mandibular fuese un condicionante de otros problemas. Además se dice que era muy glotón. Es de suponer que su vida, aun siendo de lo más elevado que cabe uno imaginar en cuanto a estatus de su tiempo, tuviera un alto componente de estrés que diríamos ahora. Repásese la compleja política a la que se dedicó durante su existencia. Yo apenas había oído algo sobre los males que padeció. Pero los médicos Javier Pérez Frías y Ángel Rodríguez Cabezas, del SEMA, en un artículo sobre la patografía (descripción de enfermedades) del Emperador Carlos exponen una lista de patologías que sufrió durante su vida: 

"1. Hipertrofia de adenoides (vegetaciones) 

2. Crisis convulsivas 

3. Cefaleas 

4. Asma (accesos esporádicos) 

5. Hepatitis vírica 

6. Hemorroides 

7. Dispepsia 

8. Presbicia 

9. Prurito 

10. Trastorno depresivo vs melancolía 

11. Necrofilia (interés patológico por la muerte) y otras supersticiones. 

12. Diabetes mellitus tipo 2 

13. Gota con poliartritis atípica (depósito de cristales de urato monosódico en varias articulaciones) 

14. Litiasis renal 

15. Prognatismo (probable única manifestación de acromegalia) 

16. Paludismo"

Saque cada cual sus conclusiones. Eso sí, no pasen de largo ante este Carlos joven cuando visiten el Museo Nacional de Escultura. Paren ante él, y dialoguen. Al fin y al cabo cualquiera de nosotros, plebeyos y siervos, no podríamos haber estado jamás en su presencia en aquel lejano siglo XVI.

Dos Grecos de la catedral vallisoletana en museos de la Norteamérica

Hoy este paseante no se ha paseado por las calles o los edificios representativos de la ciudad. Lo ha hecho por el Montreal Museum of Fine Arts y por la Frick Collection. Cuando uno se da una vuelta, física o virtual, por uno de los grandes museos que hay por el mundo, se da cuenta de la enorme cantidad de obras de arte de las que muchos países se han visto privados. Simplemente por el procedimiento de la enajenación, el expolio, el botín o la compra fraudulenta. Tristemente célebre es el caso de la reja del coro de la catedral de Valladolid, vendida por el Cabildo en 1929 al magnate de la prensa norteamericana William Randolph Hearst a través del agente depredador Arthur Byne. Por cierto, ¿no emula a este personaje Orson Welles en su filme Ciudadano Kane? Una reja cuya compra se pactó a 1,15 pesetas por kilogramo, haciendo un total de 500 pesetas toda ella. Hoy la reja se encuentra instalada en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Menos sabido es el caso de dos Grecos que también pertenecieron a la catedral de Valladolid y ahora se encuentran en el museo de  Montreal y en la Frick. Las obras de arte de países donde han estado abandonadas o simplemente desprotegidas por la ley, y a veces a merced de instituciones que en lugar de preservarlas han buscado beneficios económicos puntuales, han sido objeto de persecución por parte de buscadores de tesoros, anticuarios o marchantes, con escasos o nulos escrúpulos. Si propietarios despreocupados han cedido a sus propuestas la pérdida de las obras estaba asegurada y el beneficio del rico de turno que las comprara a través de esa clase de agentes por precios irrisorios constituía todo un éxito. Así que no es de extrañar que grandes museos públicos, de fundaciones privadas o casas particulares estén constituidos por fondos procedentes de todo el globo.

Gracias al brillante y amplio estudio de la investigadora María José Martínez Ruiz titulado La enajenación del patrimonio en Castilla y León (1900-1936) he conocido detalles de la aventura de los dos Grecos que volaron a Canadá y Estados Unidos a primeros del siglo XX. Por una parte el retrato de un caballero de la casa de Leiva, hoy en el Montreal Museum of Fine Arts, fechado entre 1580 y 1586. Por otra un San Jerónimo, sito ahora en la Frick Collection de Nueva York, que se estima de entre 1590 y 1600. Este trabajo, publicado por la Junta de Castilla y León en 2008, relata cómo en 1904 algunos anticuarios propusieron al cabildo catedralicio comprar varios objetos antiguos. No pasaron desapercibidos dos cuadros de El Greco que rápidamente fueron vendidos por 25.000 pesetas. Sí, hubo polémica y protestas de algunos entes culturales, la Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción y la Academia de San Fernando, por ejemplo. Del escándalo se hizo eco la prensa local y también un ciudadano particular, Joaquín Álvarez Taladriz. La excusa de la venta era obtener fondos para pagar un órgano nuevo. Algo que recuerda aquel dicho antiguo de desvestir a un santo para vestir a otro. Es curioso cómo el arzobispo de entonces, José María Cos, acaso adoctrinado por una vieja práctica, negó la venta.

Escribe la profesora Martínez Ruiz:

"(...) Joaquín Álvarez Taladriz rebatió las palabras del arzobispo. El abogado y coleccionista hizo valer su conocimiento del ambiente de anticuarios, donde circulaban los rumores sobre la venta. Habían sido varias las ofertas barajadas; Chicote, anticuario de Valladolid, llegó a ofrecer '3.000 duros' por las obras. Pero en ese momento la operación ya había sido saldada por el comerciante extranjero Emile Parés, que según sus afirmaciones tenía entregadas 5.000 ptas. del total de las 25.000 firmadas con el cabildo".  

¿Cómo podía ser posible que siendo conscientes las autoridades estatales o las instituciones culturales citadas o una opinión pública irritada, del valor artístico de los Grecos no se impidiera la venta y salida de dos obras magistrales? Para muchos la venta era ilegal, pero..."este capítulo era harto resbaladizo para la legislación del momento. La Iglesia podía disponer de los bienes que figuraban bajo su propiedad y responder de los mismos solo ante la autoridad pontificia, y de acuerdo al Código Canónico en vigor. Sí, podía informar a las autoridades civiles, pero estas estaban no poco limitadas cuando se trataba de un bien propiedad de aquella", indica la autora del libro. 

Al final con lo que topaban entonces los detractores de la venta eclesiástica era con una legislación insuficiente y probablemente con muchos agujeros por donde las riquezas artística del país iban saliendo a destinos externos. Y eso que, no obstante, algunos tenían cierta conciencia o una clarividencia más de Estado de que los tesoros artísticos podían ser una fuente de valor económico también para el erario público. Paradójicamente esos ingresos públicos, y privados, se lo han llevado enteros durante décadas los Estados más desarrollados de Europa y América. 

Me queda la duda o, mejor dicho, el desconocimiento sobre en qué espacio de la catedral se encontrarían instaladas estas obras del pintor cretense. No las imagino tanto en el espacio considerado para el culto como en alguna capilla menos visible o en la sacristía o almacenadas en otra dependencia no accesible más que para el cabildo. Probablemente en un estado no perfecto precisamente, pues la incuria del tiempo y de los hombres no perdona.

Para quien busca consolarse con el mal de muchos hay que recordar que en esa primera década del siglo XX salieron de España nada menos que diecisiete cuadros de El Greco. ¿Cuántas otras obras -pictóricas, escultóricas, arquitectónicas, objetos varios- no viajarían allende nuestros territorios? Basta darse una vuelta por las web de museos internacionales para comprobar la procedencia y variedad de los tesoros que guardan. Por cierto, Castilla y León fueron las regiones más castigadas por la depredación, tanto de los que llegaron de fuera como de los que se prestaron desde dentro a toda clase de enjenaciones y robos.  

Para quien tenga interés y desee más información, más allá del resumen de esta entrada de lamento, puede obtenerla en los siguientes enlaces:

https://inventario.nostraetmundi.com/es/obra/172

https://inventario.nostraetmundi.com/es/obra/171

Los niños de Ana Jiménez que juegan a mover la bola del mundo en la Plaza de España

Entre las marquesinas de frutas y verduras y la parada de autobús, en pleno centro de la Plaza de España, pero siempre El Campillo, nadie les quita el espacio del juego a los niños. En la mente aún abstracta de un niño todo es posible. Mover el mundo, flotar sobre las aguas, volar por los aires. Todo es posible porque la capacidad infantil para hacer ficción de manera tan espontánea no volverá a repetirse cuando sean adultos sesudos y en muchos casos carentes de imaginación. Hago las fotografías en un día en que está apagado el funcionamiento de la fuente. Le falta ese toque en que agua y movimiento giratorio de la esfera terráquea llenan por completo el jovial afán de los niños. Pero mejor así para captar las esculturas. Para admirar su robustez, sus formas, su composición dinámica. 

Observo a los hombres y mujeres que van de puesto en puesto comprobando el género que se vende. Me fijo en que hay muchas personas de paso que se hacen selfis. Otras miran con detalle los continentes y los océanos, quién sabe si buscando su lugar de origen o un territorio al que les gustaría viajar. Las menos permanecen absortas contemplando a estos niños lúdicos, acaso recordando sus propios juegos tan remotos como olvidados. Ved cómo muevo el planeta, parece clamar la criatura que desde un lado se inclina con los brazos extendidos. Eh tú, no te largues, que uno no se puede apear del mundo, podría sugerir el chico a la chica a la que sujeta y atrae con firmeza hacia la bola. 

Me agrada el conjunto, la compostura, la idea. Leo por alguna parte que en la idea más primitiva de la escultora Ana Jiménez esta había pensado en unos ángeles. Pero es mayor el acierto de situar niños comunes, que al fin y al cabo son de este mundo y pululan por doquier. No me imagino una iconografía angelical ¿protegiendo el mundo, un mundo que cada vez dispone de menos protección? Sin embargo los niños nos transmiten, pueden y deben hacerlo, la esperanza de procurar por él, de mejorarlo, incluso de transformarlo para la supervivencia y calidad de todas las especies. Aunque pinten bastos por mor de ciertos intereses y poderes que no se comprometen a avanzar en la salvaguardia del planeta. 

Ana Jiménez, nacida en La Coruña en 1926, vivió gran parte de su vida en Valladolid, donde dio clases en la Escuela de Artes y Oficios. Falleció en 2013. En el libro de José Luis Cano de Gardoqui García titulado Escultura pública en la ciudad de Valladolid se puede leer lo siguiente sobre el trabajo de la escultora:

"Sin desdeñar la investigación y experimentación en nuevos lenguajes -postminimal, conceptual- y materiales, la obra de la artista se decanta por la técnica del modelado hacia la consecución de formas plenas y sólidas, auténticas y esenciales, dentro de un idealismo figurativo en el que se patentiza una sincera admiración por la estatuaria clásica. Esto quizá por influencia de sus primeros maestros en la escuela vallisoletana, José Luis Medina y Antonio Vaquero, pero también debida a sus numerosos viajes a Italia y a Grecia".

Ahí siguen los niños, el mundo y el movimiento sobre su propio eje, entre verduleros, fruteros y gentes de paso. Digno espacio en cuyo suelo se levantó, sobrevivió cerca de ochenta años y se derribó, hace muchas décadas, el entrañable Mercado del Campillo.

Al contemplar el juego revoltoso de estos niños en torno al mundo no menos revuelto le viene a uno al magín un poema del vallisoletano Jorge Guillén, el titulado Manera actual de ser niño, recogido en el poemario Clamor:

Antonio viaja que viaja 

Por tierra, por mar, por aire, 

Va de un continente a otro 

Porque el mundo ya no es grande, 

Mira desde su avión 

Cordilleras y ciudades 

Como si, soñando aún, 

Sobre algún mapa trazase

Con el dedo rutas, rumbos. 

¿Ser hombre es estar de viaje?

Y es que no hay duda, ser hombre es estar en un viaje donde no importa tanto la duración como la calidad de lo que se ve y se disfruta. Como en la niñez.